Arteterapia en el aula: cuando el arte también ayuda a aprender

Durante mucho tiempo, las actividades artísticas fueron consideradas dentro de la escuela como espacios destinados principalmente a desarrollar habilidades manuales, decorar trabajos o hacer más entretenida una clase. Sin embargo, hoy sabemos que la relación entre arte, emociones, aprendizaje y bienestar es mucho más profunda.

Dibujar, pintar, modelar, construir, crear imágenes o trabajar con diferentes materiales puede ofrecer a los estudiantes una vía alternativa para expresar aquello que algunas veces resulta difícil comunicar mediante las palabras. En este sentido, las experiencias artísticas pueden convertirse en una herramienta valiosa dentro de los procesos educativos y socioemocionales.

Pero existe una precisión importante: hacer arte en el aula no significa automáticamente hacer arteterapia.

La arteterapia es una disciplina terapéutica que utiliza los procesos creativos y la producción artística dentro de una relación profesional y con objetivos terapéuticos. Por ello, cuando un docente utiliza el dibujo, la pintura, la música o la plastilina como recursos pedagógicos para favorecer la expresión, la atención, la creatividad o el bienestar, es más apropiado hablar de experiencias artísticas con finalidad educativa o socioemocional, salvo que exista una intervención de arteterapia realizada por un profesional especializado.

¿Por qué el arte puede tener un lugar importante en el aula?

El aprendizaje no ocurre únicamente a través de la explicación verbal. Los estudiantes también aprenden mediante la exploración, el movimiento, la percepción, la emoción, la interacción social y la experiencia.

Una actividad artística reúne muchas de estas dimensiones. Cuando un niño transforma un material, toma decisiones sobre una forma, combina colores, modifica una construcción o representa una idea, está realizando un proceso activo de exploración y resolución de problemas. El resultado final es importante, pero también lo es todo aquello que ocurre mientras está creando.

El arte puede proporcionar, además, un espacio donde el estudiante tenga cierto margen para elegir, experimentar, equivocarse y volver a comenzar. Esa posibilidad puede ser especialmente valiosa en contextos educativos donde los niños sienten presión por encontrar siempre una única respuesta correcta.

1. Favorece la expresión emocional

Una de las posibilidades más interesantes del arte dentro del aula es que puede proporcionar formas alternativas de expresión.

No todos los estudiantes encuentran fácilmente las palabras para decir “estoy preocupado”, “tengo miedo”, “estoy enojado” o “me siento triste”. Una producción artística puede convertirse en un punto de partida para conversar sobre esas experiencias.

Esto no significa que el docente deba interpretar psicológicamente los dibujos de los estudiantes. No existe una regla científica universal según la cual determinado color, forma o figura represente necesariamente una emoción específica.

Es mucho más respetuoso preguntar:

“¿Quieres contarme qué representa para ti?”

De esta manera, el significado pertenece al propio estudiante y no a una interpretación impuesta por el adulto.

La investigación sobre intervenciones artísticas en niños y adolescentes ha encontrado resultados prometedores relacionados con expresión emocional, autoconocimiento, comunicación y regulación emocional, aunque la calidad y el diseño de los estudios son variables.

2. Puede contribuir al bienestar y disminuir la ansiedad

Otro campo de investigación importante es la relación entre actividades artísticas y ansiedad.

Una revisión y metaanálisis publicada en 2024 analizó seis estudios con un total de 422 niños y adolescentes y encontró una reducción significativa de los síntomas de ansiedad después de intervenciones de arteterapia. Sin embargo, los investigadores también encontraron una heterogeneidad considerable entre los estudios, por lo que estos resultados deben interpretarse con prudencia y no como evidencia de que cualquier actividad artística produzca automáticamente el mismo efecto.

Investigaciones más recientes sobre intervenciones artísticas basadas en mindfulness también han encontrado reducciones de ansiedad en estudiantes, aunque nuevamente los resultados dependen del tipo de intervención, su duración y la metodología utilizada.

Por eso, en el aula podemos hablar de potencial para favorecer el bienestar y la regulación emocional, pero no deberíamos afirmar que una actividad de dibujo, pintura o plastilina “cura la ansiedad”.

3. Estimula la creatividad y la capacidad de encontrar alternativas

Crear implica tomar decisiones.

¿Qué puedo hacer con este material?
¿De qué otra manera puedo construirlo?
¿Qué sucede si cambio esta parte?
¿Puedo transformar mi idea inicial?

Este tipo de preguntas coloca al estudiante en una posición activa.

La creatividad no consiste únicamente en producir algo “bonito”. También implica generar posibilidades, establecer relaciones, modificar estrategias y encontrar respuestas diferentes ante un problema.

Por eso, una actividad artística bien planteada puede convertirse en un pequeño laboratorio de pensamiento creativo.

El docente puede incluso introducir deliberadamente situaciones abiertas:

“Construye una casa que pueda vivir debajo del agua.”

No existe una única respuesta correcta. El estudiante necesita imaginar, planificar, probar, equivocarse y modificar su propuesta.

Ahí el arte deja de ser solamente una actividad manual y comienza a convertirse en una experiencia de pensamiento.

4. Puede favorecer la atención y la participación

Una actividad artística exige observar, manipular, decidir y mantener cierto grado de atención sobre lo que se está haciendo.

Esto puede favorecer la participación especialmente cuando la experiencia permite que el estudiante tenga un papel activo.

Sin embargo, es importante no caer en afirmaciones simplistas como “el arte aumenta automáticamente la atención”. La evidencia disponible sobre programas artísticos escolares muestra resultados variables y depende mucho del diseño de la actividad, la duración, el contexto y la preparación de quien la facilita. Una revisión reciente de programas artísticos para niños de 6 a 12 años encontró señales preliminares de beneficio, pero calificó la certeza global de la evidencia como baja o muy baja.

Esto nos recuerda algo fundamental:

no es solamente el material; es la experiencia pedagógica que construimos alrededor del material.

5. Fortalece la sensación de logro

En una clase tradicional, un estudiante puede experimentar varias veces la sensación de “no puedo”.

En una experiencia artística, en cambio, puede descubrir algo diferente:

“Esto lo hice yo.”

Una producción terminada puede convertirse en una evidencia concreta del propio esfuerzo.

Esto puede contribuir a la percepción de competencia y al reconocimiento de las propias capacidades, especialmente cuando el docente valora el proceso y no únicamente la calidad estética del resultado.

Por eso, en lugar de decir:

“¡Qué bonito te quedó!”

también podemos preguntar:

“¿Qué fue lo más difícil?”
“¿Qué hiciste cuando no te salió?”
“¿Qué parte cambiarías?”
“¿Qué descubriste mientras lo hacías?”

Estas preguntas trasladan la atención del resultado hacia el aprendizaje.

6. Puede favorecer la interacción y la convivencia

El arte también puede convertirse en una experiencia colectiva.

Un mural, una escultura grupal, una historia ilustrada o una construcción colaborativa obliga a los estudiantes a negociar ideas, escuchar propuestas, esperar turnos y tomar decisiones conjuntamente.

Esto conecta con el aprendizaje socioemocional. Una gran revisión y metaanálisis de programas universales de aprendizaje socioemocional en escuelas, que reunió 424 estudios y más de 575.000 estudiantes, encontró mejoras en habilidades, actitudes, comportamientos, relaciones entre compañeros, funcionamiento escolar y rendimiento académico. Estos resultados corresponden al aprendizaje socioemocional en general, no específicamente a la arteterapia, pero ayudan a comprender la importancia educativa de trabajar sistemáticamente las competencias socioemocionales.

El arte puede ser uno de los caminos pedagógicos para crear esas oportunidades de interacción.

7. Ofrece una vía de aprendizaje más corporal y sensorial

Aquí encontramos una conexión especialmente interesante con materiales como la plastilina.

Modelar implica tocar, presionar, estirar, unir, separar, transformar y volver a construir.

La experiencia involucra diferentes sistemas sensoriales y motores mientras el estudiante intenta convertir una idea mental en una forma concreta.

Por eso, el modelado puede ser especialmente interesante dentro de propuestas educativas que buscan integrar acción, percepción, imaginación y pensamiento.

Una idea que existe en la mente puede convertirse progresivamente en un objeto que podemos observar y modificar. El pensamiento adquiere forma. Y cuando esa forma puede volver a transformarse, el estudiante descubre que una solución tampoco tiene que ser definitiva.

8. Puede abrir puertas para estudiantes que tienen diferentes maneras de aprender

Una de las grandes riquezas del arte es que permite múltiples formas de participación.

Un estudiante puede expresarse mediante una imagen.
Otro puede hacerlo mediante una escultura.
Otro puede preferir construir colectivamente.
Otro puede necesitar observar antes de comenzar.

Esto no significa que el arte sea una solución universal para todos los estilos de aprendizaje, pero sí ofrece diferentes canales de participación que pueden complementar las estrategias verbales y escritas.

En un aula diversa, esa flexibilidad puede ser pedagógicamente valiosa.

El papel del docente: acompañar, no interpretar

Aquí encontramos uno de los puntos más delicados. Cuando un estudiante realiza un dibujo oscuro, una figura agresiva, una persona sin rostro o una composición aparentemente triste, el docente no debería concluir automáticamente que existe un problema psicológico.

Una producción artística no es un diagnóstico.

El camino más adecuado es utilizarla como una oportunidad para conversar.

“¿Qué estás creando?”
“¿Qué significa para ti?”
“¿Cómo te sentiste mientras lo hacías?”
“¿Quieres contarme algo sobre tu trabajo?”

El estudiante tiene la autoridad principal sobre el significado de su creación. Y si durante el proceso aparecen señales persistentes de sufrimiento emocional o dificultades que exceden el ámbito pedagógico, corresponde activar los protocolos de orientación y derivación establecidos por la institución y recurrir a profesionales de salud mental cuando sea necesario.

Arteterapia y educación: dos campos que pueden dialogar

La escuela puede beneficiarse enormemente de las experiencias artísticas, pero debemos mantener claros los límites profesionales.

Un docente puede utilizar plastilina para enseñar ciencias, historia, matemática, comunicación o educación socioemocional.
Puede utilizar música para crear un ambiente de concentración.
Puede proponer dibujo reflexivo después de una lectura.
Puede pedir a los estudiantes que construyan con arcilla una representación de un concepto.
Puede desarrollar proyectos artísticos colaborativos.

Todo esto puede tener un enorme valor educativo. Pero cuando hablamos de arteterapia clínica, estamos hablando de una intervención terapéutica especializada.

La evidencia disponible indica que las intervenciones artísticas pueden tener beneficios para diferentes dimensiones de la salud mental infantil y adolescente, pero también señala que hacen falta investigaciones de mayor calidad, especialmente en contextos escolares y con diseños que permitan determinar qué componentes producen los beneficios observados.

Por eso, quizá la pregunta más interesante no sea:

“¿Puede el arte solucionar los problemas emocionales de nuestros estudiantes?”

Sino:

“¿Cómo podemos utilizar responsablemente las experiencias artísticas para construir aulas donde los estudiantes puedan expresarse, crear, relacionarse y aprender mejor?”

Y aquí aparece la plastilina

La plastilina tiene una característica que la hace particularmente interesante para el aula: se puede transformar inmediatamente.

Una idea se convierte en una forma.
La forma puede cambiar.
El error puede corregirse.
Una parte puede quitarse.
Otra puede agregarse.
Lo que parecía terminado puede volver a comenzar.

Desde una perspectiva pedagógica, esto ofrece una metáfora extraordinariamente poderosa:

equivocarse no significa fracasar; significa que todavía podemos transformar.

Cuando un estudiante modela, no solamente está construyendo un objeto. Puede estar experimentando procesos de planificación, coordinación motora, exploración sensorial, toma de decisiones, creatividad y resolución de problemas.

Y cuando además acompañamos esa experiencia con música, conversación, movimiento o reflexión, podemos crear una experiencia multimodal mucho más rica.

No necesitamos convertir cada actividad en una terapia.

A veces basta con crear un espacio donde el estudiante pueda hacer, sentir, pensar y expresar.

El aula como espacio para crear y aprender

La educación necesita conocimientos, pero también necesita experiencias. Necesita estudiantes capaces de resolver problemas, trabajar con otros, manejar la frustración, comunicar sus ideas, imaginar alternativas y reconocer sus propias emociones. El arte no reemplaza la enseñanza. Tampoco reemplaza la psicoterapia ni la atención especializada cuando son necesarias. Pero puede convertirse en un poderoso compañero del aprendizaje. Porque cuando permitimos que los estudiantes creen, también les estamos diciendo algo profundamente importante:

“Tu manera de mirar el mundo también tiene un lugar aquí.”

Y quizá ahí se encuentre una de las mayores aportaciones del arte al aula.